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La muerte de Stalin
Una comentari de Pep Jordà - La muerte de Stalin (Armando Iannucci, 2017)
Retrat sarcàstic i molt negre sobre els embolics i les lluites per fer-se amb el poder entre els membres del Comitè Central a la mort de Stalin. Digues-li mort digues-li eutanàsia activa. Una mena d’aproximació inspirada en fets real que recorda com un ou a altre ou el que està passant en aquests mateixos moments en la seu central del PP només que amb prou menys gràcia. Molt grans el enormes Steve Buscemi,  Jeffrey Tambor, Simon Russell Beale i Michael Palin fent de Khrushchev, Malenkov, Beria i Molotov respectivament. Molt recomanable aquest vodevil que es riu de tot i arrambla amb la història, recordant-nos aquelles paraules de Molière que explicaven tan bé per què al poder li fa tanta por la sàtira: ‘Nos gusta ser malvados, pero en modo alguno ridículos’. I resulta que tan al Comité Central com a la seu central tothom ho és. No us la perdeu, si vos agrada l’humor, la mala llet, la Història i sobretot les històries de la Història.
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The terror
Sèrie estèticament molt xula que comença una mica somorda però que a mida que va avançant puja en intensitat i interès; i que va sobre el viatge fallit d'exploració de l'Àrtic dels vaixells HMS Terror i HMS Erebus l'objectiu del qual era travessar i explorar l'últim tram del Pas del Nord-oest. Per moments m’ha recordat a ‘Perdidos’ i en altres a ‘Fitzcarraldo’ però està molt entretinguda i interessant. Encara més quan saps que està basada en fets reals. De fet els vaixells trobats els anys 2014 i 2016 (com qui diu l'altre dia) van ajudar a desxifrar alguns dels misteris que planteja (i en ocasions) resol la sèrie. I d'altres no. Molt interessant. Més informació:  The Terror  
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Solo Han
Una ressenya de Xavier Cortés - Han Solo: Una historia de Star Wars (Ron Howard, 2018)
Será que Solo entiendo la saga de Star Wars con el contenido místico, aunque sea más de lo mismo, cada entrega para mi supone disfrutar del universo creado por George Lucas,  que como una fórmula mágica ha conseguido enganchar a varias generaciones, así lo vivimos en casa desde que mi hijo era pequeño. Así pues la primera decepción es que la épica de Star Wars en Han Solo simplemente no existe. Sí que hay acción trepidante propia de películas de policías y ladrones, pero ¿dónde está la Fuerza, dónde está la lucha política en la Galaxia? Tras la primera decepción, me engancho en una secuencia trepidante, un asalto a un tren del futuro que me recuerda a una vieja película del oeste, bueno por ahí me tiene pillado, voy a ver Han Solo con los parámetros del Western, pero tampoco, Solo se trata de una secuencia aislada. Bueno pues voy a fijarme en los personajes. Al fin y al cabo he ido al cine para conocer los orígenes del personaje. Y me encuentro con un universo que se parece a un Blade Runner light, y en el que como novedad nos cuentan el origen del nombre ‘Solo’, a mí me pareció ridículo. Lo mismo de cómo conoce a Chewbacca, este personaje se merecía algo mejor. En cambio el personaje, para mí, más logrado es la droide L3-37, una especie de recopilación de los mejores atributos de todos los droides de la Saga pero con una personalidad que cuesta creer que se haya logrado con un 3D. No sé si será porque Rogue One puso el listón tan alto que esperaba algo más de este spin-off. Resumiendo si vas a buscar bucear en el Universo de la Saga igual te decepciona, si buscas acción y aventuras seguro que te gusta. Solo deseo que la próxima entrega regrese por los caminos de la Fuerza.
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La vida y nada más
La vida y nada más (Antonio Méndez Esparza, 2017)
Peli dureta, de ritme relaxat però de contingut xulo i missatge desassossegador que va de vides dures i complicades i que ens recorda que ‘quan un es desgraciat amb els collons ensopega’. Molt bones les interpretacions de la mare i fill protagonistes.   
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‘Lucky’ o la mirada de Harry Dean Stanton
Una ressenya de Javier Llopis - Lucky (John Carroll Lynch, 2018)
Harry Dean Stanton era uno de esos secundarios rocosos que hemos visto en decenas de películas. Pertenecía a la orgullosa estirpe de los actores de carácter, que le ha proporcionado al cine americano alguno de los mejores momentos de su historia. Durante sesenta años  su rostro inconfundible se ha sucedido en pequeños papeles a los que siempre sabía sacarles un brillo especial. 'Lucky' es la película póstuma de HDS, el actor moriría poco después de rodarla y antes de que se produjera su estreno. Es un film de una sencillez ascética, en el que se nos plantea un paseo por temas como la soledad, la vejez, la muerte o la amistad. No hay ni una sola concesión a la sensiblería en una producción que discurre por los paisajes de uno de esos pueblos perdidos del desierto americano. Apenas pasa nada durante el metraje de 'Lucky', la economía de medios es absoluta. La película nos cuenta con una lentitud premeditada el día a día de un anciano de 90 años, que vive los últimos días de su vida entre copas en el bar, paseos y conversaciones con la vendedora del supermercado. 'Lucky' es la mirada profunda de Harry Dean Stanton desde una enorme pantalla. Una mirada que nos comunica soledad, alegría, agradecimiento y miedo ante la llegada de los momentos finales de la vida. No se puede hacer más con menos. Uno sale del cine estremecido, convencido de que por muchos efectos especiales y por muchos montajes artísticos que se utilicen en el cine actual, no hay un espectáculo cinematográfico más impactante que el rostro de un ser humano ante una cámara. Ni triste ni alegre. 'Lucky' es como la despedida a un viejo amigo que se va. 'Lucky'  es cine del grande aunque se nos presente bajo la envoltura de una película menor.
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Campeones
Una ressenya de Jordi Santonja - Campeones (Javier Fesser, 2018)
És una pel·lícula de persones anònimes més bé invisibles, si ja resulta estrany al nostre cinema que es parle d'esports, encara ho és més fer-ho amb una història de persones amb deficiències intel·lectuals. El bàsquet sempre ha volgut unir aquests conceptes: esport i discapacitat. I aquest és el gran èxit de Javier: caminar dret enmig de barrancs perquè parlar de discapacitat és complicat, si edulcores massa la història sembla paternalista i protectora, però si te'n passes poden criticar-te perquè resulta ofensiva. La cinta comença com si fos la sèrie Vergüenza que també protagonitza Javier Gutiérrez, un segon entrenador professional de bàsquet que té un dia molt horrible i acaba als jutjats per un accident de cotxe, un tio d’aquells als quals podries dir: ‘callat estàs més guapet’. La seua desventura acaba amb una sentència de treballs a la comunitat, haurà d’entrenar un equip de bàsquet. El director aconsegueix des del primer moment que rigues de la situació, no de les persones discapacitades, un altre èxit de Javier Fesser. El xoc entre dos mons tan oposats fa molt divertida la peli a l’hora de generar situacions molt desbaratades perquè fins que l'entrenador baixa al nivell dels seus jugadors i comença a conèixer-los i parlar el seu idioma passen uns quants dies. Des del primer moment t'enamores dels actors, perquè per molta discapacitat intel·lectual que tingues o per mot bé que estigues, al final tots tenim deficiència de respecte i d'amor. Tots junts van aconseguint superar algunes de les seues pors i aconsegueixen èxits personals i esportius. La música de Rafael Arnau, que ja ha compost bandes sonores com la de ‘Mortadelo y Filemón’ és alegre i ajuda a fer més agradable les situacions. Sense afegir molt més sí que m'agradaria destacar un aspecte de la pel·lícula que és lamentable i vertader alhora: la selecció espanyola de bàsquet de discapacitats mentals va quedar campiona olímpica però després es va demostrar que alguns dels seus membres no patien cap discapacitat intel·lectual. Finalment, per posar un però a aquesta cinta redona que pretén ser una peli apta per a tots els públics, destacaria el fet que solten algunes paraulotes i coses de sexe no adequades a un públic infantil. No obstant això, aquests incisos són tant divertits com perdonables, de fet, la meua filla de 9 anys em va dir ‘no lo pillo’ entre rialles.
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Ready Player One
Una ressenya de Pau Borrell - Ready Player One (Steven Spielberg, 2018)
L'estil dels vuitanta i noranta ha tornat o almenys això veiem al món del cinema. Steven Spielberg és l'encarregat de portar a la gran pantalla el best Ssller d'Ernest Cline ‘Ready Player One’ (2011). La història des de primer moment ens enganxa, com si nosaltres fóssim un jugador més. Gràcies a la nostàlgia, ens trasllada a un món ple d'aventures i fantasia anomenat OASIS, ‘Un univers virtual complet, on la gent entra per tot el que por fer i pot ser’ La trama de la pel·lícula, o fins i tot m'atreviria a dir del joc, tracta de superar tres nivells. Al final de cada nivell el guanyador obté una clau amb la qual finalment obtindrà un ou de pasqua amb el que heretarà OASIS. Per els que estem al món dels videojocs, aquests tres nivells són un regal. No deixes de gaudir en cap moment, gràcies a les referències que apareixen contínuament del món del còmic, pel·lícules, sèries i sobretot dels videojocs. Fan que no deixis de sorprendre't. Qui no voldria veure un Delorian al costat del Batmovil dels 60? O un jugador, on el seu avatar és el Gegant de Ferro? Veure totes aquestes referències amb els fantàstics efectes especials, generen una sensació d'il·lusió i nostàlgia que no és fàcil d'aconseguir. A tot això cal sumar-li una fantàstica banda sonora, i sí,  tota dels 80 y 90. L’únic punt negatiu em sembla que és el protagonista principal, que no aconsegueix transmetre res, sembla que tracten de fer-ho una mica asocial, que no vol socialitzar amb la resta de les persones, però no aconsegueix fer-nos veure-ho així. En canvi Ben Mendelsohn, que encarna el dolent del joc, realitza una magnífica actuació, després de meravellar-me a ‘Rogue One’ ara a ‘Ready Player One’ m'ha tornat a semblar meravellós. Té el paper d'aconseguir l'ou de pasqua abans que ningú però sense haver jugat mai a cap altre joc, nomes guanya a base de talonari comprant directament les millores. Però això no evita que siga una gran pel·lícula on gaudeixen tots, des dels més petits fins als més grans. Pel fantàstic que resulta tot a OASIS. El que més em va agradar sens dubte són les referències, que no deixen de sorprendre’t, et passes la pel·lícula buscant, i no són difícils de trobar. Tot això fa que no tanquis els ulls en cap moment i la idea que algun dia podrem formar part d'OASIS. Però és clar, no cal deixar de banda el món real.
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Thelma
Una reseña de Xavi Cortés - Thelma (Joachim Trier, 2017)
Visualmente poderosa Thelma es una película que se escribe con encuadres y sonidos, haciendo uso de la palabra solo en momentos imprescindibles. Unos cuidados diálogos y una formidable dirección de actores a cargo de Joachim Trier, director y coguionista, se deslizan por un impresionante paisaje nórdico que acompaña a la psicología de los personajes. En algunos momentos recuerda en la forma de tratar el género a la sueca ‘Déjame entrar’ que transforma una película de vampiros en un drama psicológico y social. Thelma juega al mismo juego, explora el subgénero de los poderes de chicas adolescentes con una profundidad psicológica que abruma. Que nadie espere ver una película de efectos, ni de sustos, su director huye directamente de utilizarlos. El terror está en el estrés, en la auto-tortura y en los sentimientos de culpa de sus personajes. El sofisticado lenguaje visual que utiliza y la sutileza de la textura de sus imágenes a mí me ha recordado en algunos momentos al cine de Ingmar Bergman. Especialmente, la secuencia en la ópera en el que el director muestra el espectáculo de música y danza que se representa en el escenario en paralelo a la perturbadoras sensaciones que experimentan las dos protagonistas que lo contemplan desde el patio de butacas. Coproducida por Noruega, Suecia, Dinamarca y Francia Thelma derrocha refinamiento y lleva el sello de recientes películas y series nórdicas en el que el paisaje y la naturaleza forman parte del argumento y en el que sus personajes derrochan profundidad. En los últimos años el sensitivo cine Nórdico me fascina más que cualquier otro cine y me conecta con el cine de autor escandinavo que junto con el francés despertó mi amor por el cine. Thelma no reinventa el cine dogmático pero sitúa en una nueva dimensión temas tratados en otras ocasiones que puede llegar a provocar una gran fascinación.
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Lady Bird: abandonar el nido y volar para volver
Una ressenya de Marta Gisbert, periodista - Lady Bird(Greta Gerwig, 2017)
Es tiempo de primavera, de flores y de alergias. Es momento de que la naturaleza haga de las suyas y de entender que los cambios se suceden en una de las épocas más bonitas del año. El caso de Lady Bird es el de una chica que decide, como las flores a partir del 21 de marzo, florecer, crecer. La opera prima de Greta Gerwig, su escritora y directora, nació de un guion que llevaba por título Mothers and daughters –“Madres e hijas”-, precisamente encarnando una alegoría del proceso evolutivo de cualquier ser vivo: llegar al mundo, crecer, reproducirse y morir. Una teoría, la que se aplica también a los animales y plantas, que se dejó un adjunto por añadir en el caso de los humanos: sobrevivir cuando se sale del útero materno. ¿Qué es, por tanto, Lady Bird? Lady Bird es una preciosa historieta, donde sentarse y sentirse cómodamente, en torno a las relaciones entre madres e hijas, y su dificultosa supervivencia con la llegada de la madurez. Ella, la protagonista, la joven Christine, como en realidad se llama, forma parte de una familia conservadora demócrata que vive en Sacramento, California. La trama se alimenta de sus neuras –propias de una adolescente-, sus inquietudes de futuro, sus primeros amores y relaciones sexuales y sus peleas con la existencia. Ella, la “señorita pájaro”, tendrá que amoldar sus valores cristianos con sus ansias de volar, las que la quieren llevar hasta la costa este, a estudiar en Nueva York. El espectador acepta de buen grado las rabietas de esta joven soñadora porque, todo sea dicho, se hace querer. Igual que la película, que no tiene nada que envidiar en cuanto a fotografía, frases elaboradas y un cierto aroma dulce a Wes Anderson, con quien ha trabajado la actriz que encarna a Lady Bird, la irlandesa Saoirse Ronan. Lady Bird es un repaso universal por la adolescencia con moraleja: se puede abandonar el nido sin renegar ni alejarse de él.
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La muerte de Stalin
Una reseña de Javier Llopis
Para los fans de Steve Buscemi, para los fans del humor negro negrísimo y en fin, para todos aquellos que disfruten riéndose hasta de lo más sagrado (la película logra hacer humor hasta en las checas soviéticas). “La muerte de Stalin” es un retrato caricaturesco sin el más mínimo asomo de piedad; un viaje desternillante a las más profundas miserias de la política, en el que la muerte de un dictador se convierte en una perfecta excusa para enseñarnos la lucha por el poder como un delirante teatrillo por el que desfila una legión de pelotilleros, de psicópatas, de estúpidos y de tíos más listos que el hambre. Las aventuras y las desventuras de los componentes de la cúpula de la URSS tras la muerte del gran líder desatan un vodevil rigurosamente histórico en el que apenas hay un minuto de descanso. Para la historia del cine quedará para siempre la frase dedicada al incomparable Buscemi/Khruschev: “Eres el único tipo que conozco que es capaz de conspirar hasta cuando corre”. Viendo esta producción franco/británica, dirigida por Armando Ianucci, llega una pregunta inevitable: ¿Por qué a ningún director español de cine se la ha ocurrido rodar una comedia parecida sobre la agonía y la muerte de Franco?.  Material cómico no faltaba, con personajes como Arias Navarro, el Marques de Villaverde y toda una fauna de dinosaurios franquistas intentando prolongar hasta lo imposible la vida del Generalísimo para buscarse un hueco en el futuro político del país. La respuesta a este interrogante va por dónde ustedes se lo imaginan: España es un país en el que no se admiten las bromas en determinados temas y la mejor prueba de ello es esa triste cofradía  de raperos y de twiteros que están a punto de entrar en la cárcel por hacer unas risas con lo intocable. En Rusia tampoco se digieren bien estas gracietas y el mismísimo Putin ha prohibido la película. Pero esa es otra historia.
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La forma de l’aigua
Una ressenya de Pep Jordà - La forma del agua (Guillermo del Toro, 2018)
‘La forma de l’aigua’ és un conte preciós (conte en la mesura que ho era ‘Amelie’ a la que estèticament recorda en ocasions) recomanada per a nens d’entre 9 i 99 anys amb bons i dolents, dames i herois, estèticament bellíssim i amb un missatge amable i alliçonador. Com qui diu el revers lluminós d’aquell altra preciosa peli del director: ‘El laberint del fauno’. Només que el que allà era fosc ací és colorit,  el que era desesperançador ara es animós i el que generava por i odi ara genera estima i ganes de viure. Perquè ‘La forma de l’aigua’ per damunt de tot és una bonica faula sobre el retrobament, la compassió i l’amor. En línia amb la sirenita o la bella i la bèstia malgrat que aquesta bella (Sally Hawkins) no guanyaria cap concurs de bellesa ni la bèstia (Doug Jones) té res d’animal (llevat de l’episodi que tracta el gat amb la mateixa sensibilitat que ho feia Alf, l’extraterrestre del planeta Melmac). I el fet que el conte en lloc de en paraules està escrit amb unes imatges potents i enganxoses. Però per damunt de tot ‘La forma de l’aigua’ és un homenatge al cinema. La protagonista viu damunt d’una cinema permanentment buit on es projecta de manera habitual una pel·lícula de romans. A la peli i ha un número musical que no té massa a veure (o sí) amb l’argument però que resulta emocionant i estremidor. La pròpia peli és una barreja d’un munt de gèneres: thriller, espies, amor, fantàstic, musical, monstres, ciència ficció. I el protagonista principal (un esser que es com una espècie poc evolucionada de Namor, submariner, però amb llumenetes de Nadal) li fa alguna cosa més que un gest de complicitat al clàssic de 1954 ‘Creature from the Black Lagoon’ (La mujer y el monstruo). Tots dos tenen una aparença similar, tots dos venen de l’Amazones i els bons de totes dues pel·lícules han de justificar en un moment donat la supervivència d’ells adduint el coneixement adquirit en mires a futures expedicions espacials. Per anar resumint  ‘La forma de l’aigua’ és una meravella visual poètica, seductora, imaginativa i molt recomanable que no només t’atrapa sinó que et transmet un munt de sensacions i missatges que es fa difícil resumir en unes poques paraules.  Així que aneu a veure-la. Al cinema.
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La publicidad mata
Una ressenya de Marta Gisbert, periodista - Tres anuncios en las afueras(Martin McDonagh, 2017)
Dicen que el tabaco mata (que también) pero lo que de verdad puede llegar a ser más afilado que un cuchillo es una mera valla publicitaria en mitad de una carretera poco transitada. Así va el tema en Tres anuncios en las afueras, la historia más brillante, corrosiva, divertida y, a la vez, dramática que he visto en hace bastante tiempo. Colarse en esta propuesta de Martin McDonagh no lo consideraría allanamiento, del mismo modo que en otras películas casi hay que pedir permiso para encasquetarse en un asunto poco interesante. Lo sublime de esta cinta, protagonizada magistralmente por Frances McDormand, son dos cosas: la universalidad de la historia y la mezcla radiante de la risa y el llanto en un guion aparentemente muy improvisado. Se abre el telón. Una madre busca desesperadamente al asesino de su hija, que acaba de ser brutalmente violada y asesinada. Un caso entre los muchos que leemos y/o escuchamos cada día en los Telediarios. Ante el vacío de la ley y la incompetencia policial, decide tomarse la justicia por su mano y alquila tres vallas publicitarias donde manda escribir tres mensajes corrosivos que levantan las ampollas de todo el pueblo. Hilándose en torno a este punto de partida, aparentemente inocente, el espectador comienza a sentirse libre de hacer lo que sea. Cualquier cosa. Una mezcla entre la empatía con la protagonista y los problemas acallados que cada uno haya traído a sus butacas, y que comienzan a buscar pelea. Ya lo dicen los publicitarios: el mensaje siempre va cargado de una intención. Y vaya intención. En Tres anuncios en las afueras al espectador le está permitido, y muy mucho, fantasear con la muerte, incluso con atacar a un dentista antes de que él te haga daño o escupir sangre en la cara. No hay nada escrito pero todo está perfectamente estructurado en esta maravillosa propuesta. Entre este pequeño resumen que acabo de hacer y el final –me hubiera quedado una hora más para ver cómo se resolvía-, pasan mil asuntos. Lo bonito es que no los podría detallar, porque estuve completamente absorta todo el tiempo. Otra de las grandezas de la buena publicidad cuyo poder, ya sabéis, no se puede menospreciar. Disponible en Cines Altet